A menos de un mes del lanzamiento de su segundo disco, los Tristemente Célebres de Eduardo de la Puente le contaron a LadoB el significado de esta producción “más que lograda, aunque algo sufrida”. Germán Wintter (bajo), Leo D´Amico (voz) y De La Puente (guitarra), el ex “Caiga Quien Caiga”, dialogaron sin tapujos, desde su sala de ensayo del barrio porteño de Parque Patricios.

¿Cómo fue el proceso de grabación de este segundo disco, “Anestesia General”?

De La Puente: “El cambio de formación tuvo mucho que ver, porque el primer disco está compuesto, fundamentalmente, por “el Patón” (batería), Wintter y yo, que tenemos un estilo un poco más duro, menos melodioso, por así decirlo. Después, Maxi (guitarra) y Leo entraron para grabar el disco con todos los temas ya hechos, salvo por las melodías de algunos temas que las rehicimos. Pero, para el segundo, que llevó un proceso de composición muy largo, porque somos bastante vagos y bastante vuelteros y no nos decidíamos, al aportar Leo mucho de su composición, Tristemente Celebres se transformó en serio en una banda de rock. Esto es: canciones “rockeadas” o sea, no un rock definido. Esta es la diferencia; el primero era un disco más rockero, de un sonido más crudo, más cuadrado y este no, este es un disco de canciones”.

Germán Wintter: “Pasaron diez años del comienzo, o cuatro desde el otro lanzamiento, así que es importante ver que pasaron cuatro años de nuestras vidas y evolucionamos un poquito más”.

¿De que hablan las letras de “Anestesia General?”

Leo D´Amico: “Es un gran símbolo de eso, de que hay mil cosas que son una cagada (sic) en esta vida, pero, bueno, queremos a aliviarlo de alguna manera, vamos a hacernos amigos, a brindar con el enemigo”.

E.D.P.: “Hay muchas letras que también hablan de esta lucha interna con uno mismo. Pero están tratadas de una forma como para que el mensaje sea: ´Esto no me va a doblar ni me va a frenar´, la idea es ir para adelante”.

¿Cuál fue la repercusión en el público?

L.D.A.: “Hay mucha gente que, a mi entender, se sorprendió, porque esperaba algo más parecido a lo que fue el primer disco. Por ejemplo, mi novia, más cerca imposible, me dijo: ´El primer disco no lo hubiese comprado, y este sí´, y a nosotros nos sirven ese tipo de comentarios porque es un público estándar y, por lo general, el más justiciero”.

G.W.: “El éxito está primero en nosotros, que a nosotros nos guste. Pero, si a eso le sumamos novias, público cercano o músicos colegas que nos felicitan, mejor, porque el músico por lo general no perdona”.

Hablando de músicos colegas, este disco cuenta con la participación de Ricardo Mollo en la producción. ¿Cómo fue esa experiencia?

E.D.P.: “Ricardo escuchó el demo y a los diez días me llamó y me dijo: ´Loco, me encantó, las canciones me parecen redonditas, cierra todo, está bárbaro´, y ahí fue como pidiendo permiso para ver si podía colaborar para cuando grabemos”.

G.W.: “Y nosotros dijimos ´¡Sí!´, encantados (risas)”.

¿Tienen pensado realizar algún video?

E.D.P.: “Sí; el corte es Anestesia General, estuvo sonando en unas cuantas radios. Calculamos que dentro de esta semana y la que viene estaremos sacando a la cancha el video que grabamos hace poquito. Es muy rústico, muy básico, es la presentación de la banda tocando en vivo, nada más. Original”.

L.D.A.: “Si le falta algo a la imagen, es lo que nos falta a nosotros, este video lo tiene todo. Lo que antes no teníamos, ahora lo tenemos”.

G.W.: “Lo que sobra es anestesia… anestesia general, ¿no? (risas)”.

¿Pueden decir que este disco salió como ustedes querían?

E.D.P.: “Te diría que no, que todo siempre se puede mejorar. Aparte, fue grabado en una situación bastante problemática interna de la banda. Pero, teniendo en cuenta eso y sabiendo lo que eran los ánimos y el momento que estábamos atravesando, yo estoy re-contra feliz de la vida”.

O sea que, a pesar de todos los pormenores que atravesaron en este proceso, todos quedaron más que conformes.

L.D.A.: “Es como cuando querés algo fervientemente. Suponete que sos fanático de la salsa, y tu mayor deseo es irte a Cuba, bueno, para nosotros, este disco es Cuba. Es llegar al momento que estabas esperando de corazón”.

G.W.: “Yo lo escucho todos los días, y las noches. Estamos muy conformes”.

¿Sienten una evolución desde lo musical?

E.D.P.: “Yo estoy aprendiendo todo el tiempo, más con ellos. Pero en el disco también aprendimos, más que nada Leo y yo, que fuimos los que más estuvimos “arriba de la mesa”, con la producción de Ricardo. Las cosas que se pueden hacer en un estudio son increíbles, y sin mentir, o sea, haciendo cosas que después las podés repetir encima de un escenario y en vivo”.

G.W.: “Sií, la verdad que aprendimos en el camino, o sea, no fuimos a aprender, se nos dio así”.

En esta nueva etapa, ¿con qué se van a encontrar los seguidores de T.C. en vivo?

L.D.A.: “Y, el show en vivo aporta algo que el disco no tiene. La energía que uno transmite y la alegría que uno tiene al tocar”.

G.W.: “Mucha gente está buscando eso por ahí, está ávida de ver eso: movimiento, rock, explosiones, sangre! (risas). El vivo siempre “garpa”, siempre y mucho más que el disco. No es nuestro caso, porque están al mismo nivel tanto el disco como la banda en vivo”.

¿Cómo ven la escena del rock de nuestro país hoy en día?

L.D.A.: “Si me voy del lado crítico, a mi me gustaría que el artista exprese cosas nuevas, estoy podrido de las canciones de amor. Obviamente que el amor es la gran máquina de todo, lo que me molesta a mi es lo facilísta. Me molesta que se piense en que, porque una canción es lenta, la letra diga: te amo / te amo / ¿Por qué no estás conmigo? La letra tonta me molesta, me parece que el artista tiene la responsabilidad de enviar un mensaje. Me pasa con algunas de las bandas de rock de acá, que la música quizás la escucho y, si te diferencias de lo que te están diciendo, no está mal musicalmente pero no me complementa”.

E.D.P.: “Yo creo que, con todas las separaciones de bandas importantes en estos últimos 20 años, el rock nacional se está quedando sin referentes grandes y en la segunda línea de bandas hay cosas muy buenas pero no súper convocantes y, en la tercera línea, me parece que lo que hay son clones de la segunda línea”.

G.W.: “Son como modas que van pasando. La idea es no buscar el producto fácil porque lo podemos hacer, no pensamos en el hit, pensamos en lo que va saliendo. De hecho, lo grabamos y sacamos discos y esperamos que a la gente le guste. La idea es no marcar una tendencia sino crearla”.

Vilma Palma e Vampiros levanta la temperatura del termómetro de la escena nacional. Con delirios punkies que emulan a The Clash, o bien cuarteteros con la Mona Jiménez como espejo. ¿El diagnóstico? Fiebre noventosa.

Pero no se altere estimado lector, es una enfermedad que no requiere del uso de barbijo y no es necesario lavarse las manos con alcohol en gel por precaución. Consiste en la reivindicación musical de la década del noventa, que tiene al conjunto rosarino como principal estandarte.

Mario “Pájaro” Gómez, cantante, ve el resurgimiento de su grupo como una retribución. “Es el premio a tanto esfuerzo nuestro a seguir tocando todos estos años, a seguir dándole”, afirma, al tiempo que reconoce que lo pone “muy contento venir a tocar a Buenos Aires, porque siempre se pone bueno”.

“El año pasado hicimos muchos casamientos, muchas fiestas, se ve que el grupo es muy querido, así que buenísimo, me gusta”, detalla Mario, quien admite que Argentina era “una plaza que habíamos perdido”.

El show que marcó a fuego el regreso de la banda a los escenarios porteños fue el realizado en The Roxy, que quedó registrado en el último trabajo discográfico que incluye un dvd. Para graficar un poco lo que fue esa noche alcanza con decir que los fanáticos, desaforados luego del recital, siguieron bailando los temas de Vilma Palma en la calle, ante la atónita mirada de los transeúntes.

“Nos debíamos hacer algo acá. Nunca dejamos de tocar y de repente haber vivido eso esa noche estuvo bueno, porque es merecido por toda la trayectoria de la banda”, recuerda el Pájaro, mientras que aventura que Vilma “ya venia sonando bien, pero que con lo del Roxy y el dvd que sacamos la cosa se puso mejor. Ahí empezó a crecer un poco mas”.

No paran nunca más

A todos les ha pasado alguna vez. En un bar/boliche/pub empieza a sonar una melodía pegadiza que en el estribillo dice algo así como: “Pasame más tinto se vino la pachanga…”. Automáticamente se dibuja una sonrisa en los ocasionales oyentes, que muchas veces deriva en la frase: ¿Te acordás de éstos?

La pachanga lleva ¡¡¡17 años!!! sin aburrir y aún le sigue dando alegrías a la banda. A la hora de dar una explicación a tal fenómeno, Mario sostiene: “La pachanga es La pachanga, el leit motiv, no hay palabras”.

Para colmo, casi dos décadas después de la salida de la versión original, ya fue reversionada con ritmo de cumbia, pero el Pájaro, lejos de enojarse por ello, se muestra encantado: “Que la graben, que sigan grabándola. No me molesta para nada, en lo mas mínimo. Escuché Auto rojo en cumbia, y Bye bye, buenísimo. Ahora un grupo de México saca La pachanga en cumbia, es medio reggaeton, está bueno”.

Trascienden fronteras

Vilma Palma se jacta, junto a los Enanitos Verdes, de ser las únicas bandas provenientes del interior del país que, en la década del ’90, conquistaron al público de Buenos Aires y lograron trascender al ámbito nacional, alcanzando el éxito en Latinoamérica. La agrupación rosarina desembarca seguido en Centroamérica y Estados Unidos, pero su cantante relativiza el éxito en aquellos pagos.

“No sé si pegó tan fuerte la banda en el exterior. Hubo shows en EE.UU. que no fue mucha gente, pero no por culpa nuestra, sino porque hay mucha crisis”, reveló el autor de La pachanga. “Es un trabajo de hormiguitas, es para mantener la cosa. De todas maneras, tenemos la suerte de poder ir una vez por año a tocar a Estados Unidos para mantener la plaza. Ahora también México, Colombia, Perú, Ecuador”, admite.

Tras la crisis de 2001. Mario experimentó como músico en Estados Unidos. “No es nada del otro mundo EE.UU.”, dice. “Vivimos ahí dos años, grabamos Vuelve a comenzar, que fue el octavo disco, tocamos en un montón de lugares, conocimos un montón de gente amiga, músicos amigos”, puntualiza.

“El público eran todos latinos que estaban trabajando allá, que le gusta Vilma palma y crecieron con la música de los noventa y nos van a ver tocar cuando vamos”, manifiesta.

Sin embargo, acepta que, pese a su paso por tierras norteamericanas “mi nivel de inglés: cero. En un momento hablaba, pero de caradura, cero inglés. Ni cantaba en ingles”. Así y todo, minutos más tarde, ya en escena, se lo pudo ver reversionando la mítica canción de The Clash: Should i stay or should i go. También hace vibrar al público con una versión al palo de Quién se ha tomado todo el vino, de la Mona Jiménez.

Hay Vilma para rato

El Pájaro se muestra tranquilo en los camarines, aguardando la salida a escena en una fiesta que agrupa a quienes se contagiaron de la fiebre noventosa y se enloquecen con canciones del Teto Medina o Cacho Castaña. Lo único que puede romper con su tranquilidad es aquello relacionado con su amado Rosario Central.

Pese a su fanatismo, asegura que los hinchas de Newell´s lo “tratan bien, porque ya pasé a ser un personaje de la ciudad” y se muestra feliz con las canciones de cancha que sacaron las hinchadas de Estudiantes y Racing con el ritmo de Fondo profundo, su canción, aunque aclara: “la cantó Central hace muchos años atrás, en el 95, 96, cuando sacamos el disco Fondo profundo. Se me puso la piel de gallina, fue terrible”. En ese sentido, afirma que “lo mejor que te puede llegar a pasar es que te canten un tema tuyo en la cancha”.

A la hora de hacer un balance de los 19 años de trayectoria de la banda, Mario se explaya: “Todos estos años lo único que hemos hecho es darle para adelante. Nuestro sueño, si bien no estamos todos los originales juntos, fue que esta banda sea para siempre y voy tratar de seguir tirándole para adelante hasta donde pueda. Por el momento está todo bien y vamos a seguir. Es difícil, pero ahí estamos”.

Asimismo, agrega entre risas, a modo de broma: “La banda suena muy bien, salvo el cantante nada más”. Más serio, cierra: “Es todo un trabajo de hormiguita, no somos una banda mediáticamente fuerte, somos una banda que hay mucha gente que la quiere, que la hizo suya, una banda de culto, es todo a pulmón”.

Unos metros más allá, el presentador anuncia el inminente comienzo del esperado show. El público ruge. Se despliega un Auto rojo de cartón entre los asistentes para recordar otro de los tantos hits de Vilma Palma. El Pájaro pide una bebida energizante antes de salir a escena. ¿Qué pasa que no hay más fernet con Coca? ¿Te acordás de esa?

Una de las bandas más importante de la escena platense, Don Lunfardo y el Señor Otario, se presentó en Circus, San Justo, y, en diálogo con Lado B, se postulan como la mejor banda del under local, definen a La Plata como “la meca del rock” y proclaman que en Capital Federal ya no está el agite.

Cuando Pablo Lunati lo disponga comenzamos con la entrevista. No, no se equivocaron de blog queridos lectores. La cuestión es que Gimnasia está jugando un partido clave en la lucha por la permanencia frente a Colón y, como buena parte de los platenses, algunos de los músicos son muy futboleros e hinchas del Lobo. Por ello, hasta que no termine la primera etapa no hay entrevista.

Último minuto del primer tiempo, gol de tiro libre de Fuertes. Insultos. Luciano Angeleri, cantante de DLSO, y Federico Lozano, guitarrista, se disponen para comenzar con la entrevista. Se enciende el la luz roja en el grabador, al tiempo que Luciano entona: “San Lorenzo se cansó de pagar el alquiler…”. La euforia previa al recital y la jornada futbolística parecen tenerlo cautivado, pero, al fin, la entrevista comienza y el cantante explica las razones por las que no se estaban presentando mucho por la zona: “no salíamos mucho de La Plata porque estábamos grabando el disco, estábamos parados. Ahora estamos tocando una vez por mes, pero está bueno acá, depende mucho del lugar”.

Don Lunfardo tiene una política curiosa, que parece oponerse a la de la gran mayoría de las bandas del circuito rockero vernáculo, y que Luciano define en pocas palabras: “Capital no existe para nosotros”. “Hay cierta ortodoxia del rock, no nos gusta tocar a las 9 de la noche, al horario del té con leche, y es difícil que se respete eso en Capital”, argumenta Federico. El guitarrista admite que prefiere “tocar acá y no en Obras a las ocho de la noche” y sentencia: “hoy, después de Cromañón, yo no sé si Dios sigue atendiendo en Capital, porque no está fácil”.

Rock en las diagonales

“Nosotros enarbolamos la bandera de que La Plata es el Manchester de Latinoamérica”, dispara Luciano. “Es la ciudad número uno de Latinoamérica artísticamente, en cultura, porque las dos bandas más importantes del rock argentino son: Los Redondos por el lado del rock y Virus por el lado del pop, y las dos son de La Plata”. Y continúa enumerando las bandas que construyeron Manchester a 60 km de Capital Federal: “está La Cofradía, que nadie la descubrió, los Peligrosos Gorriones, Guasones, Estelares y después venimos nosotros, Don lunfardo, que somos los más grandes de todos”, determina, modestia aparte.

“Es como la meca del rock”, dice Federico, quien afirma también que “es un mito”, alimentado día a día por “más de 700 bandas”. Y Luciano se explaya, dándonos una pista más sobre el origen de esa “locura” de que “para nosotros Capital no existe”: “La Plata es una ciudad muy importante, pero tuvo gente que no la representaba. Está llena de cipayos platenses, de gente que no se hace cargo de la ciudad, llena de traidores. El platense de pura cepa, que tiene un poco de plata para moverse y que tiene talento lo primero que hace es irse a vivir a Capital. Nosotros somos los primeros que rompemos con eso y que decimos que cruzar la 32 es para visitar el arroyo El Gato, para irme de vacaciones ahí. Nosotros agitamos otra movida y desde hace mucho tiempo, ya vamos a cumplir 10 años”.

Les apasiona hablar de la ciudad de las diagonales, se percibe un fuerte arraigo en sus palabras. “En La Plata hay un circuito armado. O sea, vos vas caminando y tu conversación con tu amigo es interceptada y no puede llevarse a cabo porque hay una banda ensayando”, grafica Luciano.

“Don lunfardo es la mejor banda del under local”

Don Lunfardo ya tiene en su haber tres discos: al primero lo llaman “disco verde”, ya que no tiene nombre, “Fotógrafos del abismo” es el segundo y el último, “Paracaidistas en franco retroceso”, editado a fines del año pasado, donde dejaron un poco de lado los ritmos rioplatenses para darle lugar a canciones más rockeras. En ese sentido, Luciano afirma que “ahora estamos muy heavies” y atribuye los cambios a la necesidad de “sentirnos vivos y hacer lo que queremos”. El disco está disponible en la página web de la banda (www.donlunfardo.com.ar) para ser descargado gratuitamente porque se muestran “a favor de la piratería, porque los piratas son más compañía para nosotros”. “La música es de todos y cualquiera la puede bajar”, es la postura de la banda.

“Personalmente, creo que Don lunfardo es la mejor banda del under local desde hace mucho tiempo, pero nadie la reivindica, ni siquiera en La Plata, porque no la descubren. Es una banda de amigos, nos divertimos, somos muy ricoteros, muy tangueros, muy viejasloqueros, peloteros”, enfatiza Luciano, definiendo la esencia y las influencias de la banda.

“Nosotros somos una banda de ‘rock chabón’”, se encasilla, y agrega que “nos tildan de rollingas y para nosotros es un orgullo”, aunque Federico reconoce que “ahí también te das cuenta que no tiene mucho que ver con lo que hacemos”.

Gobernar es el delito

Está por empezar el segundo tiempo y es la hora de probar sonido. Suenan Negros, Cicuta, temas del último disco. Luciano está obsesionado en gustarle al dueño del local y bromea. Gol de Colón. Acosta define cruzado, a la carrera, y sepulta las posibilidades de conseguir los tres puntos de los Triperos. Seguimos con la entrevista.

“El pensamiento que tengo yo y que tiene la banda es el de gobernar es el delito, soy como un anárquico romántico”, afirma Luciano. Al mismo tiempo, Federico agrega: “decimos lo que pensamos desde nuestra propia ideología, como gobernar es el delito. No el intendente de acá de La Matanza, gobernarte a vos, yo gobernarme a mi”.

Para despedirse, Luciano establece una nueva categoría dentro de la música que, dice, ponen en práctica en Don Lunfardo: “las canciones no se escriben, las letras no las escribe nadie. Para mi hay una categoría nueva desde hace un tiempo que no se llama ‘songwriter’, yo estoy empezando a hablar de ‘talkwriter’, alguien que, cuando habla, recita hasta cuando dice ‘boludeces’”.

Pitazo final para la entrevista, en un Circus que luce frío y desolado, pero que dos horas más tarde será un hervidero, repleto de público (muchos de ellos platenses que arribaron en micros), con las banderas y el pogo como estandarte, mientras la banda, arriba del escenario, intenta explicar con música porqué afirman que son los mejores.

Por Sergio Bogochwal

Los músicos muestran su arte arriba del escenario. Parecen dejar todo para satisfacer a su público. Pero debajo parece dominar el caos, la desidia, el descontrol. Flexionando el brazo para luego apuntar en dirección al portador del micrófono, disparan sin piedad: “hijo de puta”. El improperio tiene una infinidad de bises y llega rápidamente a oídos del acusado, quien, sorprendido y algo enfadado, devuelve también con artillería pesada: “al final son todos unos putitos, vamos a tocar canciones más tranquilas”. Cualquier ocasional asistente a un recital de Andando Descalzo podría realizar ésta lectura de la situación y suponer que algo se quebró en la relación de la banda con sus seguidores. Pero no, casi como emulando el antiguo proverbio popular que sentencia que “los que se pelean se aman”, la agresión es un símbolo de cariño dentro de los “códigos Descalzos”. Y no es una exageración suponer que exista tal código, ya que con sólo escuchar un acorde de un tema, el público ya sabe lo que debe hacer. Todos saben que en Pantuflas después del primer estribillo hay que sentarse, que cuando suena Flor todo se convierte en un boliche, que cuando suena Marinero hay que levantar los brazos porque Juani, si se anima, se va a tirar del escenario o que los jueves… Mejor que eso lo explique el mismo cantante de la banda, Juani:

“El mito de los jueves nació en San Justo. Empezamos a hacer unas cosas ahí y se ponían muy violentos los jueves. Entonces empezaban a cantar ‘vamos los jueves’. Y era como que cada vez que tocábamos un jueves la idea era ponerse belicoso. Y nosotros también sabíamos que pretendían eso, entonces estábamos todos en la misma. Hay temas que lo hacemos los jueves, el tema de las chicas al escenario dije que no van a subir nunca mas si no es jueves. La idea es empezar a alimentar lo que es el jueves. Vemos que a la gente le gustan tanto los jueves como a nosotros, es raro y está buenísimo”.

“El estilo que manejamos lo hacemos y ya está”

Andando Descalzo no es una banda normal, por decirlo de alguna manera. Por empezar, no está dentro de lo habitual tocar los jueves, como ya se hizo costumbre. Y hay detalles que dan cuenta de la singularidad de la banda. Por ejemplo, no dudan a la hora de tocar una ópera de Beethoven y poner a Juani a bailar música clásica en el escenario para suplir la falta de vientos en la intro de un tema. Son capaces de tocar un cuarteto de Rodrigo o jugar con el punk a través de un tema propio. También pueden convertir la pasividad del público sentado al pie del escenario en locura generalizada haciendo sonar acordes del La Pachanga, el mítico hitazo de Vilma Palma. Y éstos pequeños detalles son, quizás, los que nos permiten develar la identidad de Andando. Esos vaivenes entre la tranquilidad y la euforia, entre la cumbia y el rock, entre el agravio y el cariño hablan a las claras de una banda desprejuiciada y partidaria de la diversidad musical. Por lo tanto, resulta difícil la tarea de encasillar al grupo en un género particular. A tal punto que hasta a su cantante le cuesta definirlo con precisión:

“Musicalmente la banda yo diría que es rock, para no hacerla muy larga. Pero en realidad hay varios estilos, depende del disco que agarres. Algunos mal catalogaban como una banda de reggae y, que se yo, en el primer disco tenés Mi golosina y tenés Pantuflas. El segundo disco estaba muchos mas ska, pero, sin embargo, tenés reggae, cuarteto, ya empieza a aparecer más el rock, un poco en el primer disco también, pero esta mas ska-rock. Y el último para mi está un poco mas rock con canción. Y ahora, con los temas que tenemos, viene un poco mas rock canción y rock, pero puede llegar a pasar cualquier cosa de acá a grabar el disco y en el momento de grabar el disco también. Ilógico era un reggae, hasta el momento prácticamente de grabar el disco. Nosotros no prejuzgamos nada de lo que vaya a pasar, no decimos ‘no, esto no’. El estilo que manejamos lo hacemos y ya está”.

El viajar es un placer…

Juani se muestra exultante y ansioso en los camarines de Asbury, el lugar elegido para instalar la fiesta de los jueves en Capital. Es que, horas antes de iniciar la gira que los llevará hacia Mendoza y Córdoba, consiguió una camioneta para realizar la travesía y tramitó todos los papeles que le faltaban al vehículo. Cuenta las peripecias que tuvo que hacer para lograr su cometido y promete no tomar alcohol en toda la noche, ya que él será el “chofer” de la gira. Durante todo el show mostró sus cualidades como conductor, manejando un auto imaginario en el escenario. “El viaje es quilombo, son divertidos”, dice, y cuenta que han hecho “viajes muy hippies, durmiendo en camiones. Entonces, ahora no nos olvidamos de esas cosas porque a veces se repiten. Ahora vas y tenés en todos los lugares un hotel o un lugar para dormir, es como que decís ‘ah, esto es re grosso’. Se conforman con poco los pibes”.

Son varios días que pasarán juntos, pero Juani asegura: “Nunca tuvimos conflicto ni entre nosotros ni con quien fuimos. Entre nosotros si nos cagamos a pedos, pero es una cuestión muy entre amigos. Nos prestamos para la convivencia bien”.

Y ya van muchos años de convivencia de ésta banda que surgió en Mataderos. “Yo estaba con el Tano (ex integrante de la banda, se alejó dos antes de que salga el primer disco) en mi cumpleaños y le dije ‘loco, probé con el bajo, no pude, probé con la guitarra, no pude, tengo que cantar, que no hace falta hacer esfuerzo, aunque después obviamente no fue así’, relata Juani, detallando como nació, 14 años atrás, Andando Descalzo. “Empezamos a tocar sin saber muy bien que íbamos a hacer”, admite el cantante, aunque afirma que “Andando cuando empezó no era muy distinto a este Andando, nada más que estaba desprolijo y le faltaba terminar de definirse con su personalidad. De hecho, podríamos tranquilamente tocar canciones de esa época hoy en día nosotros”.

Tocar poco y a componer

La banda tiene pensado encarar con tranquilidad el segundo semestre del año. “Este año estamos tocando poco porque estamos componiendo el disco. La idea era grabarlo en marzo, no colgarnos. No vamos a forzar nada, pero está la idea de hacer eso. La idea es hacer un buen disco para poder salir y tocar a full. Porque vimos que con un disco se nos abrían los shows. Disfrutamos mucho el en vivo y la frescura esa te la dan los discos”.

La razón por la que tocarán poco, además de la preparación del disco, es casi una política de la banda: “nos gusta tocar y nos gusta que cuando tocamos las cosas estén buenas. Y que el loquito que viene después quiera volver. Los shows necesitan una preparación y por eso decidimos tocar poco. Si salir por el conurbano porque nos permite armar cosas que venimos haciendo pero copadas”.

Apostarle a algún sueño…

A la hora de hablar de su sueño, Juani no duda: “mi sueño es jugar en la selección (risas). A lo que apunto es a seguir creciendo musicalmente, tener un lugar ganado por derecho propio, que sonemos bien, cuando alguien escucha Andando diga mira que bien suena esta banda, te guste o no te guste y que sigamos fieles a nuestras ideas. Y después si se puede dar retribuir económicamente esto, bienvenido sea. Pero la verdad que ninguno se vuelve loco por eso y no es una prioridad en nuestra vida”.

Terminó la entrevista. Bocha, el tecladista, le pide que no tome alcohol a Juani, quien promete que se va a portar bien. Faltan 12 horas para que salgan a la ruta y los asientos de la camioneta no llegaron. Parecía un trámite mucho más sencillo que el de la póliza o el seguro. “Cualquier cosa tiro unos colchones y si me para la policía les digo que estoy llevando inmigrantes ilegales. Mano de obra barata”, bromea. Contra viento y marea, sorteando todos los obstáculos que padecen las bandas hoy en día, Andando Descalzo, como corea su público, va.

Por Sergio Bogochwal

Es sin lugar a dudas, una de las bandas del genero mas convocantes y legendarias del América Latina, le siguen Los Cafres y Cultura Profética, con los que ya son amigos y compartieron muchísimos escenarios.

Gondwana llegó esta semana a nuestro país para grabar el próximo jueves 11 de diciembre su primer cd y dvd en vivo. El lugar elegido es el Teatro The Roxy, en Colegiales, pero por supuesto antes se presentaran en otros puntos neurálgicos de nuestro país.

En una entrevista con LADO B, “el gato” Ramos, saxofonista de la banda nos cuenta la experiencia de venir por tercera vez en el año y como será la grabación del esperado dvd.

Es la tercera vez que están en el país este año. ¿Cuál es la razón?
Durante muchos años quisimos venir a Argentina, no se había dado la oportunidad, nuestra música gracias a Dios ya se escuchaba, había un publico muy insipiente, mucha gente que nos pedía, y bueno estábamos en México y habíamos reprogramado un concierto en Niceto y eso fue como un “besito” y después vino la segunda gira y ahí nos dimos cuenta que empezaron a hacerse uno, dos, tres Nicetos, de hecho nuestro equipo de trabajo esta formado en gran parte por argentinos. Hay muchas situaciones y personas que lo pueden determinar y demás pero al final es el publico el que decide y la presión del publico, y que mandan mails, hay gente que esta interesada en que nosotros estemos y para nosotros es fantástico.

El jueves 11 de diciembre grabarán su primer dvd en vivo. ¿Por qué en Argentina?
Se dio, una por la efervescencia del publico acá y lo otro es que son escenarios muy lindos, son lugares muy lindos, muy profesionales para tocar. Además, lo que sucede es que quizás ustedes no lo ven como nosotros pero Argentina tiene una industria musical bien antigua, dentro de Latinoamérica es una de las mas antiguas, desde principio, y eso genera que haya lugares muy pro para tocar y el publico es muy encendido, canta mucho y entonces como no vamos a querer tocar con un publico así????.

Cambiemos de tema. Llevan ese estandarte del reggae latinoamericano, creo que junto con Los Cafres y Cultura Profética son las tres bandas que representan el genero, ¿cómo se sienten con eso?
Y somos las bandas que llevamos mas tiempo en esto también y eso es un punto importante, yo pienso que ya esta empezando a pasar que hay como un recambio de bandas, hay bandas nuevas que están participando y ya no vamos a ser tres. Cada país tiene su propia forma de reggae y eso es bueno, Colombia hace un reggae muy particular, Brasil ni hablar, Panamá… y en este momento somos los mas representativos pero ya va a haber mas bandas.

Contame del nuevo disco, de Resiliente…
Resiliente es una joyita porque es un disco que fue producido, compuesto, grabado, todo el proceso fue hecho por nosotros, participamos en el desarrollo completo del disco, es como tu hijo, lo queremos mucho y fue en un momento bastante difícil, fue nuestro primer disco independiente, siempre hemos trabajado con compañías y siempre hemos tenido un buen trato.

Gondwana se estará presentando el jueves 4 de diciembre en Tucumán, el viernes 5 en Willie Dixon, Rosario, el sábado 6 en Playa Bonita, Entre Ríos, el 7 de diciembre llegan a la costa argentina para presentarse en Gap, el mítico boliche de Mar del Plata y para finalizar su gira el jueves 11 en The Roxy, Colegiales.

Comenzaron a rotar masivamente en 2006 , cuando participaron con un cover de “Desconfío” en el álbum “Pappo versionado”, pero desde hace casi quince años que incursionaron en la escena local.
Acaban de lanzar un nuevo álbum producido por Iguana Records (subsello de la multinacional Sony), pero ya llevan otros diez editados en su haber (nueve de manera independiente).
Luego de presentar “En algún lugar” el 7 de noviembre, en El Teatro Roxy, la banda que durante una década recorrió el under del Oeste aclara: “Ya no existen los monstruos que se comen a los músicos”.

Presentan “un disco de rock bien cancionero”, pero suelen ser encasillados en el punk…
Chuk: Por ahí la gente nos conoció por el tema de Pappo, pero ya hace varios años que nos abrimos un poquito. Tenemos las raíces punk, nos gusta mucho y seguimos tocándolo, pero ya hace un tiempo que nos desviamos por caminos que son diferentes estilos.
Patrick: Usamos diferentes ritmos porque es una manera también de divertirnos y jugar un poco con la música. Igual, la esencia, las guitarras del punk rock ‘distorsionadas’, siempre prevalecen.

Llegan otra vez a El Teatro, ¿cómo fue salir del Oeste?
Chuk: Cuando cerró El Mocambo, nuestra casa y el lugar más representativo del Oeste, no nos quedó otra que tocar mucho en Capital, en barcitos con muy poca gente. Tocamos en Cemento y lo llenamos. Después nos fuimos para La Trastienda y El Teatro, al que adoptamos porque es el lugar en el que más cómodos nos sentimos para hacer un show.
Patrick: Es muy loco porque en el ‘96 pasaba en tren por el Mocambo, que era nuevo, y pensaba ‘que buen lugar para hacer un show’. Lo veíamos como súper groso porque, más o menos, tocábamos en un garage. De a poco, todo se fue dando, es más, el dueño terminó siendo nuestro manager.

¿Y cuándo les llegó el gran salto?
Chuk: Creo que no te das cuenta… la gente nos dice que estamos sonando un montón, pero como no escuchamos mucha radio ni miramos mucha tele, tampoco percibimos eso. Tratamos de enfocarnos en lo que es tocar, componer y hacer discos, el resto va llegando.
Patrick: Me parece que nos acostumbramos a no esperar demasiado y a que las cosas nos sorprendan, siempre fue así y eso está buenísimo.

Firmaron con una discográfica de las grandes, ¿qué tuvieron que relegar?
Patrick: Ahora nos enfocamos más en hacer canciones que en ir a averiguar el precio de la imprenta y en empaquetar el disco, lo que hicimos por años.
Chuk: Si bien te desgastás por salir a pegar afiches a las tres de la mañana, esa etapa la vivimos y estuvo buenísima porque nadie nos regaló nada, nosotros la hicimos bien de abajo.
Patrick: Igual, también nos fuimos haciendo conocidos por editar nuestros propios discos, por ir a las disquerías con las mochilas a dejarlos, plata que después nunca cobramos… nos estafaron un montón. Esas cosas te empiezan a cansar un poco. Entonces, dejémosle el trabajo de distribuir discos a las discográficas y nosotros dediquémonos a tocar. La gente malinterpreta el trabajo de una discográfica, que no es más que difundir lo que vos hacés, pero la música la hacemos nosotros, las letras y el material son nuestras, nada nos toca nada y eso es genial.

Por algo nace ese estigma…
Patrick: La culpa un poco la tiene el músico, que a veces reniega porque tuvo una mala experiencia. A nosotros nos apoyan, le tienen amor a la banda.
Chuk: Hoy el beneficio es mayor para el músico que para la discográfica porque no se están vendiendo muchos discos en el mundo. Ya no existen los monstruos que se comen a los músicos.

Nada para mí…
Durante el rodaje de “Nada para mí, nada para vos”, la banda fue alcanzada por una rara energía que, cual huracán, levantó gente por las calles porteñas.
Dirigido por Ariel Evasio (una de sus últimas producciones fue “Loco”, de Los Cafres), podrá verse en pantalla en diciembre

Los ritmos de Jamaica fueron los encargados de dar el punta pie inicial al primero de los tres fines de semana que durará el festival más importante del año, el Pepsi Music 2008. La jornada se inició el pasado viernes 26 de septiembre, las puertas del Club Ciudad de Buenos Aires se abrieron a las 15 horas y mientras el ansioso público ingresaba se escuchaban los primeros acordes de la música de Dread Mar I. La banda de Mariano Castro, ex cantante de Mensajeros, abrió el espectáculo, en el escenario principal, con sus canciones dulces y sus dreadlocks al viento. Luego, en el escenario Claro, Riddim arengaba a su monada y el show se tornó una verdadera fiesta.

El día primaveral invitaba a buscar el sol para refugiarse del viento que venia del río, mientras tanto en el tercer escenario, Charlan Japaros, la histórica banda oriunda de Ciudad Evita levantaba a una multitud con ritmos de su último material, “Un Navío a través de la Oscuridad”.

Para los amantes del reggaemuffin, Fidel Nadal, ex cantante de Todos Tus Muertos, abrió el juego con temas de su más reciente trabajo “International Love”. Los españoles de Amparanoia y Mimi Maura como invitada deleitaron durante mas de 40 minutos a los espectadores. Mientras tanto, la tarde llegaba poco a poco a su fin.

Conseguía su momento Ky Many Marley, séptimo hijo del original Bob, que mostró su talento con sus ritmos de hip hop inglés.

Los chilenos de Gondwana llegaban al escenario Claro y explotó el Club Ciudad. Con clásicos como “Dulce Amor” y “Felicidad” hicieron delirar a la multitud que los recibió emocionados, a diferencia de su última presentación en Buenos Aires en el año 2006 donde la gente todavía no conocía su repertorio. Esta vez los trasandinos se mostraron felices al ver a más de 20 mil personas cantando “por envidia se derramó/la primera sangre en la tierra/fue por envidia cosechar tanto dolor”, estribillo de “K-In”, una de las canciones más coreadas de su ultimo disco “Resiliente”.

Solo cinco minutos quedaban para correr al escenario principal. Es que los históricos Pericos daban la bienvenida a la ya entrada noche. Con acordes de “Más cerca del cielo” emprendieron un viaje por sus más de 20 años de carrera donde se toparon con nuevas creaciones de su disco “Pura Vida”, en las bateas hace solo una semana. El momento más emocionante fue el homenaje que junto a Dread Mar I, los vientos de Los Cafres, Fidel Nadal, Riddim y Ky Many Marley haciendo el tradicional “Sin Cadenas”.

Era el turno de los boricuas. Cultura Profética llegó desde Puerto Rico para darle a la noche un tono romántico. A puro reggae empalagado, algunas parejas se animaban a bailar pegados mientras sonaba “Soy el verbo” para finalizar el baile con un beso y de fondo escuchar “todo miedo esconde un deseo/y más y más lo creo/cuando muy de cerca te tengo”, hermosa letra de “Un Deseo”, melodía con la que cerraron el show.

Ahora si, todo estaba listo para que Los Cafres llegaran a lo más alto de su carrera. Con más de 20 años de experiencia es la primera vez que la banda de Guillermo Bonetto tiene la oportunidad de cerrar el festival más importante del país. Arrancaron su set con el clásico “La Vela” y la gente estalló. Temas viejísimos pero más de una vez pedidos por el auditorio reggero sonaron y deleitaron a todos mientras en las pantallas gigantes se reflejaban imágenes como diapositivas de los integrantes del grupo.

El hit del momento, “Bastara”, sonó casi al final del show y se vió a mas de una chica subida a los hombros de algún muchacho coreando el estribillo. Llegaba la medianoche y la banda más convocante del género culminaba su espectáculo con “Si el amor se cae” y finalmente “La Receta”, himno de lo que representa este ritmo en la música mundial.

“El reggae es belleza y no monotonía”. Los Cafres lo demostraron muy bien. Y la fiesta más importante del año se fue sin ningún disturbio ni signo de violencia.

El Pepsi Music seguirá durante tres semanas con las presentaciones de bandas como Catupecu Machu, Babasonicos, Nine Inch Nails, Black Rebel Motorcycle Club, Fito Páez, Bahiano, The Cult y Andrés Calamaro.

Repitiendo la formula que aplicaron en el teatro Opera y redoblando la apuesta Dancing Mood llega al Luna Park este próximo jueves 25 de septiembre en una nueva presentación de “Deluxe”, un show que promete vestir de fiesta al estadio mas convocante de la ciudad de Buenos Aires.

Hugo Lobo, trompetista e integrante fundador de la banda adelanta en una entrevista con Lado B lo que pasará en unos días.

¿Como se preparan?
El Luna es palabra mayor, y mas si lo hacemos nosotros que somos una banda independiente en todo sentido, desde conseguir el lugar hasta armarlo, ambientarlo, en todo lo organizativo estamos a pleno y ya empezamos a ensayar con la orquesta, estamos a full con eso y todo lo que implica. Fue una apuesta grande, en el Luna entran ocho mil personas, venimos del Opera que entrar dos mil quinientas, hicimos dos funciones pero eso es otra historia.

En el teatro Opera tuvieron como invitados a Guillermo Bonetto, cantante de Los Cafres, Mariano Castro, voz de Dread Mar I, Mimi Maura, Sky Bellinson y Débora Dixon, ¿se repiten en esta ocasión o participarán nuevos amigos?

Ellos van a estar seguramente, y alguno que otro más también pero es sorpresa.

A que cosas se tuvieron que enfrentar para llegar acá?, especialmente por ser una banda independiente, instrumental…

En realidad, llegar llegamos porque lo propusimos nosotros, desde hace tiempo vemos los resultados que tenemos, pero mas allá de eso y sin especular, son las mismas ganas de hacer lo que hicimos en el Opera pero con la gente de pie, el Luna es un lugar donde la gente está parada y además la confianza de decir que venimos hace cinco años tocando todos los fines de semana y por fin de semana vienen mas de mil personas, cosa que no se entera nadie ni tampoco le pasa a casi ninguna banda, tocar en un mismo lugar, Niceto club, todos los fines de semana, en la Capital, quizás se habla mucho de que ciertas bandas llevan cinco mil personas pero eso es cada cinco meses, eso es lo que tiene ser independiente, que no se entera nadie de nada. Lo del Opera tampoco tuvo mucha trascendencia, al ver esos resultados dijimos “bueno, vamos a hacer otra apuesta”, que en su momento tocar en el Opera fue una apuesta grande para nosotros y ahora vamos por la segunda que es el Luna Park… haber que pasa.

Homenaje a un grande
Dancing Mood tuvo la gran suerte de contra entre sus filas con un músico de alma, también ex integrante de Los Fabulosos Cadillacs, el recientemente fallecido Toto Roblat. Hugo Lobo en colaboración con Flavio Cianciarullo, compañero de Roblat en Cadillacs, organizaron una movida en su honor que reunió cantidad de músicos y bandas reconocidas y cuya recaudación fue donada al hijo del músico desaparecido.

Como fue el homenaje al Toto Roblat?
Salió muy groso, se llenó, entraron como 1200 personas y otras 1200 quedaron afuera. Fue una movida que hicimos Flavio y yo y fue algo que sentimos que lo teníamos que hacer, una despedida para semejante persona y músico. Fue grosa la convocatoria de músicos, los camarines explotaban, tocaron Los Decadentes, Los Cadillacs, Dancing, Mimi Maura, Me darás mil hijos, Flavio, Vicentico, un montón de gente que apenas se lo dijimos levantó el pulgar y yo pensé que por cuestiones lógicas no podían y sin embargo estuvieron. La entrada estaba siete pesos y todo se lo dimos al hijo del Toto.

Los mayores clásicos del jazz versionados en ska y reggae serán el plato fuerte de este show. Acompañados por una orquesta de mas de 70 músicos en escena, Dancing Mood se prepara para un concierto más que prometedor.

Quince años separan a este Cielo Razzo de aquel que, allá por 1993, ensayaba por las tardes en una vieja terraza del barrio Ludueña. Con cinco discos en su haber y una historia de éxitos y tragedias detrás, los rosarinos se afianzan en la escena local llegando, por primera vez, al emblemático estadio Luna Park. En una entrevista con Lado B, Fernando Aime (Nano), adelanta lo que será el show del 20 de septiembre.

¿Cómo se preparan?
La expectativa para el Luna es mayor por lo que representa, pero la puesta en escena va a ser similar a la del Anfiteatro de Rosario. Vamos a tocar todo “Grietas” y habrá reversiones de “Buenas” (2001), “Código de barras” (2003) y “Marea” (2005). Eso sí, tenemos una novedad en cuanto a formato: un pequeño bloquecito a mitad de show que va a ser una sorpresa.

Con amigos en el ruedo como Callejeros, Los Piojos y No te va a Gustar, ¿se espera algún invitado?
Como haremos esa gran variante de la que te hablé, reversiones de temas viejos y la presentación de un disco nuevo (pero poco presentado), por ahora no. Igual, siempre terminan subiendo músicos de otras bandas y zapando entre todos. ¡No está para nada planeado eh! Dejamos que las cosas sucedan y eso está bueno. La espontaneidad tiene un sabor especial y la improvisación se disfruta mucho.

A nivel local está todo hecho. ¿Por qué no salen de gira al exterior?
Mirá, las puertas siempre están abiertas, hubo sondeos desde Uruguay y Chile, pero, por una cuestión de costos, está todo retrasado. Hace rato que también nos llaman de lugares como Ushuaia y Bahía Blanca, pero se nos hace difícil. Entre la situación del país, los costos y la inflación, es complicado mover a toda una banda, por eso, el tema del exterior está en stand by.

ROCK, LIBROS Y MAILS CON FONTANARROSA
Editado por Homo Sapiens y presentado a mediados de junio en el rosarino Café de la Flor, “Cuentos de Rock y otras músicas menores”, el primer libro escrito por Fernando Aime reúne cuentos sobre rock “plagados de imaginación, inteligencia y humor por momentos desopilante”. Además de recibir excelentes críticas, el libro contó con la corrección, nada más y nada menos, que del rosarino -y canalla- más famoso.

“El libro me dio la hermosa posibilidad de intercambiar mails con el más grade: el “negro” Fontanarrosa. No tuve la oportunidad de conocerlo a fondo porque, cuando nos íbamos a encontrar, falleció, pero sí recibí consejos valiosísimos sobre escritura y literatura, en lo que yo, soy un principiante”.

Integran Cielo Razzo: Pablo “Polilla” Pino (voz y armónica), Fernando Aime (guitarra), Cristián Narváez (bajo), Diego “Pájaro” Almirón (guitarra y coros), Javier Robledo (batería y coros) y Juan Pablo Bruno (percusión).

Tocar en el mítico Templo del Rock siempre fue para otros. Y a los ‘antihéroes del rock’ les costó llegar. Quizás porque no lo quisieron. Lo cierto es que, después de dos décadas de perfil bajo, de telonear a todo el punkrock norteamericano que llegó en los ‘90s, y de toda una vida en el under, el pasado 31 de mayo, por fin, llegó el debut propio.

Renegaron los inclaudicables, los que los siguen desde los sótanos, esos que pensaron que ‘se habían vendido’. Y ojo, porque, para la banda, la llegada a Obras también engendró un conflicto, de identidad, casi. “Siendo los losers, los incomprendidos, los perdedores y de culto, por un lado nos alegró y por el otro nos asustó mucho. Al punto de que hicimos terapia de grupo”.

Y aclara: “Es que el 2008 fue una montaña rusa emocional”. El trágico accidente de Fico y su novia se mezcló con la nominación al Gardel de Oro por el disco que, para los músicos de la escena local, fue el mejor del 2007. Producido por el ‘best seller maker’ Juanchi de Los Pericos (Walas dixit), ‘El Mamut’ le dio a Massacre la popularidad que ‘necesitaba’.

La Octava Maravilla
Hasta que Catupecu Machu decidió reversionar ‘Plan B’, Massacre no había tenido hit propio (de hecho, no tenerlo tampoco es tan malo). Al empujoncito de la banda de Fernando Ruiz Díaz le siguieron los números: cuatro Trastiendas y dos Teatros llenos. Y a los números los acompañó un disco distinto; menos conceptual, pero con la misma esencia del ‘rock psicológico’.

¿Por qué ‘El Mamut’ y no otro trabajo de Massacre como disco del año?
El disco es la Octava Maravilla, es el rock verdadero, esencial, necesario para el futuro. Es coyuntural, es de transición y es un discazo. Está mal que lo diga yo, pero lo digo ahora que lo dijo toda la crítica y los popes de la comunicación. Antes, los discos que sacábamos eran para cierto tipo de códigos. Hoy, es apto para todo público.

¿Y qué lo hace tan decodificable?
Mirá, lo ponés en una radio de rock y suena. Le gusta al tipo que ama a Hendrix porque tiene la viola distorsionada, y le gusta a los chicos chiquitos, hasta a la nenas de primaria. No se qué le encontraron. Tiene doce temas, pero son doce películas. Que se yo, tiene de todo, drama, absurdo, divorcio, narrativa, psicología, pasa por miles de historias, está buenísimo.

El Obras que les hizo pensar que iban a traicionar su tradición de antihéroes, hoy les abrió las puertas a lugares ‘alucinantes’ para tocar. “Te tiro una ‘pre-primicia’, tenemos un notición con respecto a Massacre a nivel gira mundial. No está confirmado, pero dentro de poco se va a saber’, anticipa.

Es hora de subir al escenario, pero antes, un pedido: “Al Partido de La Matanza le pido que haga donativos para el Museo del Skate (léase: ‘La Rata’, su museo en el 1° piso de la galería Bond Street). El que tenga debajo de la cama tablas de cualquier época, que las desempolve y los traiga a cualquier show. Llegado el caso, hasta los transo por efectivo”.

Post llamado a la solidaridad, y con un ‘gracias divinos’ de por medio, el hombre de las calzas de leopardo se despide. Nos deja pensativos por la enigmática ‘pre-primicia’. Pensamos… no se nos ocurre nada. Solo un humilde presagio: tal vez la prensa norteamericana no estaba tan errada, y Massacre es la banda que, desde Buenos Aires, va a salvar al rock mundial. Quién sabe.